法语(ballet)的音译，是一种起源于意大利的舞剧，运用音乐、舞蹈和哑剧来表现戏剧情节。女演员跳舞时经常脚尖点地。含义：舞台舞蹈的一种形式，即欧洲古典舞，俗称芭蕾。这是一种具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术，是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪的不断加工、丰富和发展而形成的。19世纪以后，科技的一个重要特征就是女演员要穿特制的脚趾舞鞋，用脚尖跳舞，所以有人称之为脚趾舞。舞剧，原指以欧洲古典舞为主要表现手段，集音乐、哑剧、舞台艺术、文学于一体，表现一个故事或一段情感的戏剧艺术，称为古典芭蕾(或古典舞剧)。现代舞在20世纪出现后，称为现代芭蕾，是将现代舞与古典舞技法相结合，以此为主要表现手段，表达故事内容或情节。渐渐地，芭蕾一词也被用来泛指以其他种类的舞蹈为主要表现手段的芭蕾作品，尽管它在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面与古典芭蕾或现代芭蕾有所不同。现代编导创作的舞蹈作品中，相当一部分是没有故事内容和情节的。编导用欧洲古典舞或现代舞，或两者的结合来表达某种情绪、意境，或作者对一部音乐作品的理解等。这些也被称为芭蕾。芭蕾源于古拉丁语ballo。起初，这个词只意味着跳舞，或在公共场合表演舞蹈，但它并不意味着戏剧表演。芭蕾舞作为一种舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮和娱乐活动中，形成于17世纪的法国宫廷。这种宫廷芭蕾实际上是在统一的主题下，结构松散的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵、戏剧的综合表演。由专业舞蹈老师设计，以国王贵族为演员，女角也由男性扮演。演出场地在皇宫大厅中央，观众在大厅四周观看；演员戴着皮革面具来标志不同的角色，所以也叫化妆舞会芭蕾。1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。在18世纪70年代，芭蕾舞表演开始使用黎塞留主教法庭剧院。演出场地和观众观看角度的变化，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员的站姿越来越向外，从而正式确定了脚的五个基本位置，这些位置成为发展芭蕾技术的基础。职业芭蕾舞演员应运而生，并逐渐取代了贵族业余演员。职业女芭蕾舞演员也开始登台表演，舞蹈技术发展迅速。芭蕾表演逐渐从一种基本上自娱自乐的社会活动转变为剧院表演艺术。这一时期的芭蕾从属于歌剧，宫廷作曲家j？b .李露在这部歌剧中加入了芭蕾舞场景，而这部歌剧实际上是一系列舞蹈表演。相反，情节似乎无关紧要。这时候叫唱芭蕾或者芭蕾歌剧。这种情况一直持续到18世纪中叶。18世纪芭蕾大师J.G .小说是芭蕾史上最具影响力的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了‘情节芭蕾’的思想，强调舞蹈不仅仅是一种身体技能，而是戏剧表达和思想交流的工具。小说的理论推动了芭蕾的革新浪潮。在他和许多其他演员和导演的不断努力下，芭蕾舞在内容、主题、音乐、舞蹈技巧、服装等方面进行了一系列改革。这些改革最终使芭蕾舞从歌剧中分离出来，形成了一门独立的戏剧艺术。在芭蕾舞发展史上，有两种主要的美学观点一直在发挥作用。一种观点认为芭蕾是‘纯舞蹈’，16世纪意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》导演B.de Beaujoyeulx认为芭蕾是‘几个人一起跳舞的几何图案的组合’。这种观点完全专注于芭蕾的形式美，几乎完全不顾及芭蕾的内容或情节，往往导致纯粹追求高超华丽的技巧。在18世纪中叶之前，这种观点主导了芭蕾创作。另一种观点强调芭蕾是“戏剧性的”
他认为，在一部芭蕾舞剧中，舞蹈要表现出戏剧性的内容，“剧情和舞蹈设计要统一，以一个逻辑清晰、易于理解的故事为中心主题，取消独舞和与剧情无关的舞蹈片段”，而在一部芭蕾舞剧中，“不仅舞蹈技巧要令人眼花缭乱，还必须通过戏剧性的表演在情感上打动观众”。以上两个主要观点今天仍然有效。许多编舞家致力于创作戏剧或矫情的芭蕾作品，而有些编舞家热衷于矫情芭蕾，注重形式美。两种作品中的优秀剧目都受到观众的欣赏，经常作为剧目上演。20世纪以来，各种文学思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。要创作一部芭蕾舞剧，编导是关键人物。他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思舞蹈结构或舞蹈构造，然后由演员来体现。编舞和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾词汇)——芭蕾技术技巧，以及用芭蕾语言表达特定内容或情感的能力。编导要深谙自己擅长的，不会表达的；演员应该训练有素，能够适应并创造性地体现编舞的想法。只有具备了这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾舞的结构形式有：独舞、二人转、三人舞、四人舞、群舞等。编导用的是古典舞、人物舞(舞台民族舞、民间舞)、现代舞等。根据以上形式，可以编出多幕芭蕾(分或分，如《天鹅湖》)、单幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度的标准化和程式化，影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编舞家创作的大量芭蕾作品中，这些规范和程序都得到了极大的突破，新的探索和创造不断出现。【世界芭蕾发展概述】宴会芭蕾出现在15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家们极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾舞表演是在一次宫廷宴会上举行的。1489年，在意大利的一个小镇上，为了庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡的伊达贝尔公主的婚礼，表演了《天鹅之死》。当时的表演形式与我们今天看到的芭蕾舞表演完全不同。它的每次表演大致都与上菜有关，比如模拟狩猎表演开始后吃野猪肉；海洋和河流的精灵出来了，开始吃鱼。然后，许多神话人物上台献上许多菜肴和水果，最后客人们都参加了这场狂热。
闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，可以说是芭蕾的雏形，后人称它为“宴会芭蕾”。 宫廷芭蕾 随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利的“芭蕾”演出被带入法国，1581年，在亨利三世皇后妹妹——玛格丽特的结婚庆典上演出了《皇后的喜剧芭蕾》。当时没有舞台，观众坐在三面墙壁的两层楼廊里。国王和显贵们坐在坛台上，表演则在大厅的地板上进行。编导者博若瓦叶就是受聘于法国的意大利人。内容表现女妖西尔瑟如何征服了阿波罗，但不得不向法兰西国王陛下屈服。表演是戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的混合体。路易十四时期（1643-1715），法国芭蕾发展到它的鼎盛时期，路易十四本人喜爱舞蹈，并受过良好训练。15岁即参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，扮演阿波罗神。 情节芭蕾 18世纪欧洲启蒙运动深刻地影响着法国芭蕾的发展。它的革新思想表现在反对把芭蕾当作供贵族消遣的装饰品，要使芭蕾象戏剧一样，表现现实生活，提倡芭蕾要有社会内容和教育意义，这就是“情节芭蕾”产生的时代背景。诺维尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，集中体现了启蒙运动的民主主义精神，他在《舞蹈和舞剧书信集》中，提出了他对芭蕾的革新主张。诺维尔的学生——让·多贝瓦尔所创作的舞剧《无益谨慎》至今还在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。 浪漫主义芭蕾 浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上“黄金时代”，在舞蹈技巧，编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段。《仙女》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《海盗》等舞剧的产生，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、布农维尔、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下： 1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪，一种追求超越尘世的对另一世界的情趣，或以死亡摆脱对现实的失望，或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》（1832）和《吉赛尔》（1841）。《吉赛尔》汇集法兰西风格，成为浪漫主义芭蕾的顶峰，此后逐渐出现了浪漫主义和现实主义相结合的现象。 2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展，脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现，男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。 3、在演出形式上，采用了瓦斯灯的照明和大幕，改革了芭蕾服装和舞鞋，产生一种诗意轻盈的风格。 浪漫主义芭蕾的黄金时代极其短暂，从19世纪30——40年代，仅仅10多年就出现停滞枯萎的局面。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐移致俄国。 俄罗斯芭蕾 随着社会的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐性舞蹈变成有情节 的芭蕾舞步入剧场，演出了带有社会生活内容的舞剧。 十九世纪，浪漫主义思潮亦对芭蕾艺术产生深刻影响。芭蕾 舞从内容到形式都发生了根本性变化。反映民间神话传说、仙女 花神、精灵鬼怪等故事成了芭蕾创作的主要题材。女演员成为主角，服装改成了短裙，脚尖舞成为芭蕾的基本要素。这种足尖站 立的技艺，把舞蹈者的身体向上提升，适合表现轻盈的体态以及 表达追求与渴望的情绪。 十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名著《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了彼得堡。特别是柴科夫斯基的音乐，给舞剧音乐带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响 性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品。 19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落，复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起，外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动，特别是布农维尔的学生约翰逊（在圣彼德堡）和布拉斯（在莫斯科）的教学活动，向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华，并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上，玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。十九世纪末，柴科夫斯基作曲的不朽名著《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等芭蕾舞剧在俄国和各国相继上演，世界芭蕾艺术的中心，就由巴黎转到了彼得堡。特别是柴科夫斯基的音乐，给舞剧音乐带来了丰富的形象内容、戏剧性的动力和交响 性的发展。不仅是芭蕾舞的典范作品，亦成为世界乐坛上的不朽作品。实现了舞剧音乐的革新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础，启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰，被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》（1898）、《四季》（1900），这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。 20世纪初，俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位，拥有自己的保留剧目，表演风格和教学体系，也涌现了一批编导和表演人才。此后，一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现，他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季，并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲，促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后，它的成员流散欧美各国，利法尔在法国，德瓦卢娃在英国，巴兰钦和福金在美国，对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。 当代芭蕾 1929年末，利法尔成了巴黎歌剧院芭蕾舞团的常任舞蹈编导和主要舞蹈演员，一直到1958年离开，实际上进行了一次改革，例如废除了赞助人可以在芭蕾演出之前到后台去与舞蹈家们闲聊有一个世纪的古老权利。还有每周举行一次开幕式。1932年重演《吉赛尔》时，利法尔饰演阿尔伯特，他是一个才华横溢的人。法国两大编导家，罗朗·佩蒂1965年根据雅勒的音乐编导了《巴黎圣母院》，获得了辉煌的成功。莫里瑟·贝雅尔1970年编导的《火鸟》是一个最别致的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的保留剧目还有《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》、《西尔维娅》等。 英国芭蕾主要归功于三个伟大女性的毕生经营：在皇家剧院担任多年首席女芭蕾舞蹈家的阿德莉娜·热奈夫人；妮娜特·德·瓦卢娃夫人的不朽功业是皇家芭蕾舞团；玛莉·兰伯特夫人，是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。此外还有节日芭蕾舞团、苏格兰芭蕾舞团。 美国没有国家芭蕾舞团，巴兰钦与林肯·柯斯坦在1933年一次会见，应邀主办美国舞蹈学校。1948年转化为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术指导和主要编舞家，副艺术顾问是杰罗姆·罗宾斯。已经形成了一种典型的美国舞蹈风格。另一重要芭蕾舞团是美国芭蕾剧院，1940年开始活动。先后担任编导的有福金、马辛、安东尼·都铎等。还有乔弗里芭蕾舞团，阿瑟·米切尔的哈莱姆舞蹈剧院，是第一个黑人古典芭蕾舞团。 丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的优秀继承者，布农维尔一百年前创作的舞剧，仍然在哥本哈根以纯正的风格进行演出。（实际上是旧式法国风格）在丹麦芭蕾中，传统意识一向是非常强烈的。1932年哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院芭蕾指导，一直到1952年，他为法国、英国重排的《练习曲》，是对芭蕾舞技巧的一次辉煌的展览。 20世纪初有影响的俄国编导有戈尔斯基、普尼和福金。安娜·芭甫洛娃理想的体现了福金的构思，1905年有《天鹅之死》。 在俄国，十月革命后，高尔斯基坚持戏剧的表现性，使它的舞蹈演员们采取史坦尼斯拉夫斯基的方式生活于角色之中，原本产生于宫廷的芭蕾舞并没灭亡。1927年在莫斯科演出了《红罂粟花》，是俄国第一部英雄主义的现代题材的舞剧，标志着古典学派的胜利，指出了追随的准绳，古典芭蕾博得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台，新创作的舞剧注重戏剧结构，更多地运用民间舞蹈来丰富舞蹈编导的语汇。俄国芭蕾开始了复兴。 从1581年法国演出《皇后的喜剧芭蕾》至今四百多年，芭蕾舞已遍及全世界，被公认为人类文化遗产的重要部分，成为世界性的艺术，五大洲的众多国家都建立了自己的专业的芭蕾舞学校和芭蕾舞演出团体。在当今世界上，芭蕾艺术繁华似锦，古典芭蕾和现代芭蕾，戏剧芭蕾和交响芭蕾等不同流派争奇斗艳，涌现出大批人才和剧目，很多国家逐步形成了自己的风格特色，在芭蕾舞的艺术表现上不断出现新的探索和创造。